Un programa que incluía temas que en su alma alojan temperamento, solemnidad y soberbios desplantes virtuosos, aunados a piezas que reflejan la fiesta y la alegría dentro de las arraigadas tradiciones populares dentro de la óptica europea; fue presentado en el teatro de la República por el trío eslovaco Cassovia con el patrocinio del Instituto Queretano para la Cultura y las Artes. La soprano Lucia Knotekova, la violinista Tereza Novotna y la pianista Julia Greitakova, formaron el Trío Cassovia en el 2005 en la ciudad de Kosice, centro cultural de Eslovaquia, con el interés de dar difusión a un amplio repertorio del período barroco, clásico, romántico y moderno. Dentro de su especialidad, cada una de las integrantes ha desarrollado una destacada trayectoria y como trío ya se han presentado en importantes salas de Eslovaquia y se han dado a conocer en gran parte de Europa, con frecuentes actuaciones en Italia, España, Alemania, República Checa, Hungría, Polonia y Francia. La velada inició con Ave verum del genio y maestro austriaco Wolfgan Amadeus Mozart, destacando la virtuosa interpretación de la soprano Lucia Knotekova, quien hizo callar incluso al tiempo que detuvo su incansable marcha para llevarse en un aliento la postal de esta sutil y frágil figura femenina convertida en el cause por el que fluye un caudaloso y maravilloso talento, demostrado al abrir sus labios y hasta el momento de agradecer las palmas. A continuación, Tereza Novotna en el violín y Julia Gritakova en el piano, interpretaron a duo Meditación de Jules Massenet, pieza en la que como estrellas fugaces los sonidos emanados del violín cruzaban la noche enamorando y maravillando a los espectadores. La soberbia y el temperamento del maestro y genial compositor del periodo romántico Ludwig Van Beethoven, fueron diluidos en la estática y predecible interpretación de Julia Gritakova de Claro de Luna, quién al enfrentar esta pieza, que es por demás conocida y básica en el repertorio de cualquier pianista, no incorporó algún encanto, ni dio vida a la introspectiva composición, dejando sobre el escenario la fría imagen de un gigante al que acaba de abandonar la vida yaciendo sobre el piso. Una velada en la que se pasó lista a momentos de sutil belleza lograda por los compositores como: ‘Rusalka’ y ‘Melodía gitana’, de Antonin Dvorak; las arias de ‘Ilona’ y ‘Silvia’ de Emerich Kalman, ‘Chardas’ de Vittorio Monti, ‘Poema’ de Zdenek Fibich, ‘Duelo de los gatos’, de Rossini, ‘Preludio’ de Bach, aria de ‘María’ de Giulio Caccini, tema de la película ‘La lista de Schindler’ de James Williams y un popurrí del Stabat Mater, de Pergolesi.
Una puesta en escena que congrega tanto la comedia, la espontaneidad y la ternura con un tema fuerte, delicado de abordar y que de manera frontal pone el dedo en la llaga recordándonos que todos los temas deben de ser abordados fueron los ingredientes que hicieron de: Dios: Sigues ahí? Escrita, dirigida e interpretada por Susana Alexander, un éxito en esta velada en el Centro Académico Cultural en la UNAM, campus Juriquilla, en el marco del evento 4 voces por los bebés, cuyo propósito es reunir fondos para destinarlos a tratamientos para niños con problemas cerebrales.
Este conmovedor espectáculo pretende tocar fibras muy intensas y hacernos reflexionar acerca de nuestra vida, aunque también se abordan aspectos muy felices y divertidos a través de los ojos de un niño que quiere descubrir el mundo y que se maravilla ante el amor y la amistad.
Para el periódico a.m. en exclusiva Susana Alexander comenta: “Se trata de reunir y de hacer teatro para la familia, este es un tema del que hay que hablar, la muerte me tiene muy intrigada, tanto así que retomo el 30 de octubre la obra: Teatro del pensamiento mágico, que habla del duelo y de la pérdida, basado en la historia real de una escritora que pierde a su marido y a su hija de 39 años en un año y medio”. La gente llenó el teatro, teniendo en cuenta que la obra aborda un tema tan complicado ¿como conseguir decir cosas tan difíciles y delicadas y lograr que la gente ría durante la obra y al final llore y generar un espectáculo en el que se pueda reunir la familia?
Agradezco mucho a la gente que haya venido, su generosidad de corazón es lo que los trae, esta misma obra la habíamos presentado en distintos lugares de la república aunque aquí en Querétaro la gozaron mucho, se rieron bastante y eso es magnífico porque entonces el final es más desgarrador, se trata de eso, de que se pueda abordar un tema difícil y no hacerlo amarillista, no queremos que la gente vea a un niño en etapa Terminal de cáncer, por eso este niño no tiene un cable ni nada, tanto así que es un muñeco maravillosamente manejado por Pilar Flores del Valle”.
¿Por qué es importante que la gente acuda a ver este tipo de obras que enfrentan directamente temas como en este caso la muerte?
“Es un tema del que debemos hablar, todos estamos expuestos a morir, nuestros abuelos, madres, padres y hasta niños, como en el caso de esta obra, lo que duele es la gran ausencia, es difícil estar preparado para esto. Hoy fui muy feliz, este fue un publicazo, esta misma obra la presentaré el 3 de Diciembre en la feria de Corregidora”.
Con sueños llenos de estrellas y estrellas llenas de historias que iniciaron al escuchar el disco de Pink Floyd: 'The Wall', el cantautor Mike Sierra logra su objetivo principal, ingresar a un estudio para grabar su primer disco: Buenos días. Después de haber sido seducido por el canto operístico, de haber realizado sus estudios en el Conservatorio Nacional de Música y de enfocar su gusto hacia el virtuosismo que exige el Bel Canto, Mike Sierra decide componer sus propias canciones y dar rienda suelta a su imaginación mediante la música. Este material se realizó bajo la producción de Ettore Grenci, quien ayudó a desarrollar las distintas fusiones en el álbum como el folk y el rock melódico. El videoclip promocional del primer sencillo, ‘Sonríe’, es ya un éxito, fue grabado en el Zócalo de la Ciudad de México y la idea principal fue el de recolectar sonrisas de la gente que se encontraba en ese lugar. Mike, ex integrante del grupo Los Veltons, forma parte de la asociación Risoterapia y la Fundación Anímate, y fue gracias a ésta que surgió el concepto del video, en el que contó con la ayuda de Fernando Córdova, fundador de este organismo. “Buenos Días es un título sencillo y a la vez complicado, es un saludo, es un comenzar, es un despertar. La canción que da nombre al disco versa acerca de cuando dejas ir a alguien, el proceso catártico y nebuloso, un momento de intensas lluvias y relámpagos y al final el proceso de liberación, el encontrar nuevamente al sol, el despertar, levantarse y decir, buenos días”. “El disco es una bitácora de lo que es mi vida, de lo que he ido pasando, son fotografías de experiencias muy importantes, resultado de un viaje a la India, donde tuve un proceso de introspección en el que aprendí a darle un significado más profundo a las relaciones humanas, esta energía y experiencias acumuladas están en el disco”. ¿Cómo se desarrolló el proceso de musicalizar esas imágenes, en cuanto a la composición y a la grabación? “Durante un año y medio escribí los temas que contiene este disco y la experiencia fue maravillosa, lo hicimos en Sonic Ranch, un estudio situado en El Paso, que es un lugar apartado en un desierto, es el lugar donde hicimos las fotos del disco, durante esos siete meses estuvimos grabando y ensayando los temas para darle ese movimiento orgánico y esa sensación de crecer, todas las mañanas me levantaba sumamente agradecido de estar viviendo este proceso que fue muy natural y muy amoroso, estuve esperando toda mi vida este momento, soñaba en cómo sería y cuando llegó pues había por todos lados motivos para sentir gozo”. Por lo que comentas, esta energía capturada en el disco es de amor y de un organismo vivo, ¿hay tomas en vivo o primeras tomas? “Por supuesto, grabamos tomas y nos gustaba la más natural, regularmente las primeras tomas, no solamente se graban los sonidos y las notas, sino los sentimientos y la sensación por la que estábamos pasando con la banda”. “Por ejemplo la canción que se llama ‘Tú eres yo’ la grabé en un momento muy especial, pues ese día todos los músicos con los que había convivido veinte días se tenían que ir, el productor y los que estábamos ahí teníamos un sentimiento como de nostalgia, y la grabación de ese take fue complicada, debía ser sin errores, había mucha presión y en ese momento al terminar nos abrazamos y salieron lágrimas, fue un momento muy interesante”. ¿Qué es lo que la gente va a encontrar en Buenos días?
“Mucha honestidad, el poder ser tú mismo, gracias a que conté con el apoyo de la disquera y de gente que musicalmente me permitió experimentar y ser auténtico, lo mejor es ser lo que realmente eres, pues en ese momento puedes aportar algo a la humanidad, traté de defender esa manera de hacer las cosas y de hacer la música. Al final quise hacer un disco que si yo no me conociera me encantaría comprar”.
“Disfrutando de la bella ciudad de México…”, Complacida comenta la voz de un compositor argentino mientras transita por las caóticas calles del centro histórico capitalino. El palacio de Bellas Artes, el Zócalo y el Palacio de Minería dirigen el vuelo de su mirada, seducen y guían sus pasos, mismos que han sido acompañados a lo largo de un puñado de años por Laura Etcheverry, quien gracias a esta estrecha convivencia a ha logrado obtener el material necesario para dar vida al texto biográfico publicado el 20 de Noviembre: ‘La vida’, basado en el hombre que se sorprende y se maravilla con las calles y monumentos históricos de nuestra ciudad, y que además ha logrado cautivar a un público que trasciende lo generacional: Alberto Cortez, quien en exclusiva para el periódico a.m. concede unas palabras vía telefónica con motivo de los testimonios que dan vida a esta biografía próxima a publicarse, de la función de la música para apoyar causas benéficas y de sus impresiones sobre del lugar que la poesía ocupa en la actualidad.
Han pasado más de 40 años desde que la poesía y la música tomaran el timonel de tu destino, un viaje dirigido por palabras, frases y sonidos han logrado anclar en la memoria y en el corazón de la gente, estos años de trabajo han quedado plasmados en el libro Alberto Cortez: ‘La vida’, escrito por Laura Etcheverry…
“Sí, de hecho ella está conmigo en este momento recorriendo la bella ciudad de México, lo que ha hecho, Laura, es recoger opiniones en el mundo entero de todo tipo de gente, desde políticos, artistas, amigos, compañeros de estudios, y un exhaustivo estudio acerca de mi infancia y mi adolescencia y me ha sorprendido tanto como la cantidad de personas que han sido entrevistadas, el libro es una novela de la vida de Alberto Cortez Tomando como referencia el testimonio de esta gente”.
Este es el testimonio de un trabajo intenso y constante…
“Me siento profundamente agradecido y conmovido por las cosas que han dicho de mí, de mi trabajo, que en el fondo es de lo que se trata, de comprender el trabajo, porqué hay mucha gente que dice que Cortez hizo ‘mi árbol y yo’ nada más, y hay mucho trabajo detrás eso es lo que ha tratado de escribir la señora Laura Etcheverry”.
Para decir amor se dice Alberto, para vivir valor es Cortez, el día 19 de novimebre ofreciste un concierto acompañado por el pianista queretano Patricio Peña en el Auditorio Josefa Ortiz de Domínguez en Querétaro con el fin de recaudar fondos para la fundación Roberto Ruiz.
“Me sentí muy orgulloso de participar en este evento y lo hice de todo corazón para tratar de ayudar”.
¿El arte consiste en sanar?
“Es pena que tenga que ser el arte el que resuelva los problemas que tendrían que ser tratados por las instituciones gubernamentales, cuando vemos niños en la calle decimos: ‘tenemos que juntar dinero para evitar esto’, pero en realidad no somos nosotros los que tendríamos que hacer esto sino las instituciones escogidas por el pueblo mexicano”.
Cuando la gente ve que estas no están cumpliendo recurren al interés que pueda generar un artista para tratar de sanear una situación
“Cuando tu ves que se te inunda la casa y que no llegan los bomberos a tiempo pues te arremangas y a hacerlo con un balde y con lo que sea”.
El cantautor cubano Amaury Pérez, decía que el hacía canciones por una necesidad biológica, que no tenía una intención primera al escribir música, a más de 40 años de haber iniciado tu carrera: ¿cuál es tu posición con respecto a la creación artística, que lugar ocupa esta en el actual contexto social y global?
“Pues Amaury Pérez dice muchas tonterías, él lo dice porque tiene un sueldo del Estado, en consecuencia no tiene otra cosa que hacer más que escribir, el pertenece a un partido comunista que le paga por el hecho de ser Amaury Pérez”.
“La función del músico o del literato o poeta es importantísima hoy día, en el hecho de que hay que revalorizar la palabra, si usted se fija los jóvenes hablan cada vez con menos palabras eso provoca que cada vez nos entendamos peor, en consecuencia, el recuperar el idioma a través de la poesía, de la novela o de lo que sea es un acto benéfico para la gente”.
Sonidos de coches y de la ajetreada mañana en la ciudad más grande del mundo interrumpen al autor de temas como ‘mi árbol y yo’, ‘Voy sonando caminos’ y ‘A partir de mañana’ entre otros, quien se despide agradeciendo el interés por su carrera.
La Filarmónica de Querétaro inició actividades en su tercera temporada de conciertos: los Grandes del Violín, en el que durante el mes de octubre y hasta Diciembre, pasará lista a los compositores que han sabido conservar, dentro de la estricta normatividad estilística, un amplio carácter expresivo y contundente.
En esta ocasión el maestro José Guadalupe Flores, director titular, preparó un programa que transcurrió entre las manos del virtuosismo, de la comicidad, de la alegría y de inspiración, en el inmejorable marco del Teatro de la República. La primera pieza fue un extracto de la opera que Rossini compusiera en solo tres semanas a sus veinticinco años de edad: ‘La Cenicienta’, que se estrenó en Roma en 1817. Esta basada en el libreto de Giacomo Ferretti, quien se aparta de la tradicional comedia de magia, con el hada benévola que convierte la calabaza en carroza, suprime a la madrastra despiadada y en su lugar sitúa a un padre malhumorado pero incompetente de un familia rica venida a menos, y traslada la historia a un ambiente burgués que resuelve en comedia de enredo y sentimiento que da lugar a las bufonerías y a la vena afectuosa de Rossini, buen explorador del corazón humano. La velada continuó con una majestuosa interpretación de la estudiante de la Eastman School of Music, University of Rochester, quien iniciara sus estudios a los siete años en la escuela de bellas artes de la Universidad Autónoma de Querétaro: Olga Turkina, y que a sus veinte años, ofreció una singular demostración de emoción, de virtuosismo y de devoción hacia una pieza: Concierto No. 5 para Violín y Orquesta de Vieuxtemps. Pieza que consta de 3 movimientos que se interpretan sin interrupción, como fue la tradición de las postrimerías del siglo XIX, y que ofrece una muestra del talento de este compositor belga, quien desde su juventud demuestra su virtuosismo en el violín, lo que le crea una fama legendaria, entre sus mayores admiradores se encuentra Beethoven, quien se convierte en su intérprete favorito para su Concierto para Violín y Orquesta Op.61, mismo que fue presentado esta noche. La velada concluyó con la sinfonía No.7 en re menor, op.70 de Dvorak, quien nos presenta un carácter decididamente nacionalista, pues el primer tema de esta sinfonía refleja la lucha política de los checos.
Música alejada de las complacencias, de elevados vuelos, que en su altura hace amistad con almas que puedan soportan las frías alturas, sonidos que en la cumbre se hacen tempestuosos, a veces reflexivos, otras iracundos, pero con la consigna de que en la cresta de la vanguardia permanecerán ensordecedoramente fríos, así es el trabajo que Christoph Ogiermann ha realizado a lo largo de su trayectoria y que presentó en el Museo de la Ciudad en el concierto ‘La conexión alemana, concierto remix’.
Christoph Ogiermann nació en 1967 en Bremen, Alemania. Estudió composición primeramente con Erwin Koch-Raphael; ha trabajado en varios proyectos para teatro y danza en Bremen, Berlin y Düsseldorf. Su actividad musical comprende el ser recitador, cantante, violinista, pianista; ejecutar live-electronics, y dirigir improvisaciones, música medieval y música nueva, además de pertenecer al colectivo de artistas TONTO de Graz, Austria y del PGNM (projektgruppe neue musik bremen) que organiza conciertos y un festival bienal de música contemporánea; también es fundador y curador de los conciertos REM de electroacústica en el Museo de Arte Contemporáneo, y en las Gesellschaft für Aktuelle Kunst (GAK) de Bremen.
Christoph Ogiermann transita en la vanguardia, es una de las piezas más adelantadas de un ejército, la primera línea de avanzada en exploración y combate, la renovación radical en las formas y contenidos, pues en su acto la melodía, armonía y el ritmo fueron desterrados del concepto de música dejando solamente a una genial mente detrás de una difusa zona de sonidos.
Cuando un concierto es esperado por tantos años, y éste, a la segunda canción se convierte en una fiesta de energía, de recuerdo, de emoción y de muchas gargantas unidas, se puede considerar que dicho evento se ha convertido en un éxito, los Scorpions han convertido en su más reciente gira ‘Electroacoustic World Tour’, a la Plaza de Toros Santa María, en un lugar de encuentro para más de 3 mil amantes del hard rock alemán.
Las 21 horas con diez minutos, la ausencia de luz corona la noche y el sonido de la gente gritando se ha convertido en champaña agitándose victoriosamente, señales que indican que es momento de sincronizar los relojes con ‘Hour 1’, canción con la que fue iniciado el concierto y que se desprende de su más reciente producción discográfica ‘Humanity hour1’. Durante esta primera mitad del concierto encontramos un vigor que concluye en densidad contundente, en el que se hace recorrido por las canciones más emblemáticas de la banda: ‘Coming Home’, ‘Bad Boys’, ‘Running wild’, ‘No pain no gain’ y ‘The Zoo‘, entre otras.
Un interesante trabajo a tres mástiles ejecutado por Rudolf Schenker y Matthias Jabs en las guitarras y Pawel Maciwoda en el bajo, creaba la dureza y las atmósferas para mantener el ánimo cálido y vigoroso, cuando James Kottak, en la batería, sorprendió a la audiencia con un estupendo solo en el que interactuaba con el público que intervenía durante los silencios en su ejecución, además de avivar la energía al arrojar varios pares de baquetas durante el concierto.
Una vez terminado este gran set list, comenzó la segunda parte del concierto en la que interpretaron temas como ‘Wind of Chance’, ‘Still loving you’ y ‘Rock you like a hurricane’ entre otras baladas interpretadas en la tersa suavidad de las guitarras acústicas, un par de percusionistas, y unas coristas que ejecutaron los arreglos para estas versiones impecablemente, además de contar con la participación de uno de los músicos consentidos de los mexicanos guitarra líder en la agrupación Sepultura: Andreas Kisser.
Este quinteto demostró que con los años han madurado y han desarrollado su desenvolvimiento en el escenario, pues la atención de los espectadores fue totalmente cautivada en cada uno de los temas interpretados, además de hacer de este concierto un eslabón entre el vértigo, la música, la fiesta y el talento.
es en la infinita soledad del manto celeste donde se diluye mi materia, donde puedo cortar una cola de nube y atorarla a la nada, donde en un salto busco la fragancia de su efimero campo de flores
El invitado llegó asertivo en sus amplios desplantes poéticos, espabilando con la calidez hecha intimidad una espera que involucraba distancia y tiempo. El Hotel Misión Juriquilla fue el foro que albergó a uno de los cantautores consentidos de los mexicanos, un cubano que a lo largo de su carrera ha demostrado que la palabra tiene eco cuando es dicha con precisión y con sutileza, Pablo Milanés presentó el espectáculo ‘Bohemia y Vino Tinto’.
La lírica, en ocasiones sugerente, subversiva, reflexiva, y por supuesto, aromatizada con el olor a una Cuba festiva, añeja y viva, desistió de su pasado dejando sólo eso, el eco que evoca un periodo en la historia de la isla. Quizás, las letra : “Nada me vale lo mismo que ayer / hay cien motivos para no creer / lo que ayer era una ilusión / hoy se impone como una razón…/ quiero volver / quiero aferrarme a mi pasado / ¿dónde está?“, contenida en una de sus más recientes canciones: “Dos preguntas de un día”, aunada al precio de los boletos logró su propósito: desprender del cantautor la sombra que lo acompañara en una gran parte de su trayectoria, que fue el de la lucha por la revolución del proletariado. Por otro lado, Pablo dio muestras de qué es lo que lo ha llevado a alcanzar un lugar en el Olimpo, una cálida respuesta de los asistentes al entonar: “Te negaré tres veces/ antes que llegue el alba/me fundiré en la noche/donde...me aguarda la nada...”, tema de la telenovela que toma su nombre de esta composición: ‘El amor de mi vida’, y le dio voz a la memoria con ‘¿Cuánto gané, cuánto perdí?’, entre otras.
El concierto se realizó en los términos de lo íntimo, pues pese a que el Expocentro del hotel se vio lleno en su totalidad, con aproximadamente mil personas, el espectáculo fue diseñado para que las palabras y la cercanía avivaran la velada condimentada con dos botellas de vino y una tabla de queso.
La Escuela de Laudería, foro donde habitualmente se presentan solemnes recitales musicales, fue el escenario para la presentación de un quinteto norteamericano, que más que un concierto, ofreció una ‘farsa musical’.
Farsa, voz que define el diccionario de la Real Academia de la Lengua Española como un estilo de obra de teatro que se basa en situaciones o atmósferas no cotidianas en las que los personajes deben ser fantásticos pero a la vez creíbles y verosímiles, y que se comportan de manera extravagante, describe a la perfección lo ocurrido en la Escuela de Laudería, gracias al enfoque de este grupo mejor conocido como Synergy brass quintet, en el marco del trigésimo aniversario del Festival de Música de Cámara de San Miguel de Allende que se presenta en nuestra ciudad.
“A nosotros no nos gustan las presentaciones en las que los asistentes deben guardar silencio y ser simples espectadores, nos gusta interactuar con la gente y hacerlas pasar un momento agradable y único, comenta el músico oriundo de Oklahoma, Bobby Thorp, quien respondió a las preguntas del público entre las piezas que interpretaban.
Para estos músicos el escenario comenzaba al cruzar la puerta de entrada de la Escuela de Laudería, pues con el fin de atrapar la atención de algún adormecido asistente corrían entre los asientos y los pasillos, ubicando sus instrumentos en diversos puntos del foro. El Synergy brass quintet, grupo de metales que realiza aproximadamente 300 conciertos al año, está integrado por Jesse Chávez en la tuba; Jon Hurrel en el corno francés; Bo Clifton en el trombón y Bobby Thorp en la trompeta, junto a Chris O’Hara. Versiones para metales de temas clásicos se disfrutaron durante la velada, entre los que se encontraban ‘la Obertura’, del Barbero de Sevilla de Rossini, ‘La procesión de los nobles’, de Nikolay Rimsky-Korsakov, My Heart de Louis Armstrong y Simple Gifts, de Aaron Copland.
Aristóteles creyó encontrar en la definición de ‘el hombre, animal político’ la mejor descripción para la interrelación humana, quizás sería más exacto decir ‘el hombre, animal escénico’, pues donde quiera que este se encuentre y pese a las adversidades buscará siempre la manera más íntima de comunicación, la más ligada a sus deseos, a sus necesidades y a sus satisfactores, con el fin de ser protagonistas de su propia historia y de crear el idóneo escenario donde transcurran las tramas vitalizadas por las experiencias, como es el caso de un grupo de personas que a casi 5 décadas de haber iniciado actividades dentro de los foros atisban en retrospectiva su vida a través del espectro mágico de los escenarios y del teatro como fiel compañero de su naturaleza inquieta, el grupo: Cómicos de la legua de la universidad Autónoma de Querétaro, a días de comenzar las festividades de su 50 aniversario hace un recuento de su incansable andar sobre los escenarios y de una amistad gestada bajo la luz de los reflectores.
• Gestación
El 5 de septiembre de 1959, el Grupo Teatral ‘Cómicos de la Legua’ de la Universidad Autónoma de Querétaro, se presenta por primera vez ante el público Universitario y la sociedad, su fundador, el estudiante de Derecho Hugo Gutiérrez Vega, inspirado en las MISIONES PEDAGOGICAS de Manuel B. Cossio, Alejandro Casona y en la BARRACA de Federico García Lorca, que en su época recorrieron los caminos de la Península Ibérica llevando a más de 300 poblaciones el mensaje del teatro universal, crean obras que por su vigencia actual demuestran que aunque los tiempos cambien, el hombre será el mismo.
La Universidad Autónoma de Querétaro a través de los Cómicos de la Legua ha realizado en sus 49 años de existencia una labor constante de difundir la cultura a través del Teatro hacia la Comunidad Universitaria y la Sociedad en general al proyectarse fuera de las aulas universitarias y llevar teatro a todas las capas sociales.
El escenario inicial de ‘Los Cómicos de la Legua’ es el pórtico del templo de Santa Rosa de Viterbo, lugar donde se encuentran mascarones sonrientes, mismos de los que se han tomado el modelo para dotar al grupo de un emblema.
“La primera experiencia al presentarnos en el pórtico del templo nos marcó para toda la vida, nunca creímos que tras esa primer presentación llegaríamos a los 50 años, aprendimos a entregarnos a través de las tablas al pueblo de Querétaro, nuestro objetivo era ser el puente para unir al pueblo con la universidad, creo que eso lo logramos” comenta Roberto Servín, y agrega:“Cada actuación es enriquecedora, siempre nos inventábamos un foro, andábamos en las rancherías, en lugares muy irregulares nos presentábamos, pues ese es el motivo que da origen al nombre del grupo, Cómicos que hacen teatro a través de la legua”.
Wilfrido Murillo, actual director y Juan Servín, fundador y decano
• Internacionalización
En 1971, realizan la primera gira europea con presentaciones en el King College de Londres, Inglaterra y en el Corral de Comedias de Almagro, España.
“Además del estreno, este es un segundo momento muy importante para nosotros, pues este teatro lo consideran el bellas artes en España, quizás el teatro mas importante en la península ibérica, aquí cómicos consigue una trascendencia internacional, pues la prensa española nos dio muy buenas criticas, en una de ellas decía: “enseñar a los españoles como hacer teatro es como enseñarle el padre nuestro al papa y estos queretanos lo lograron” comenta Juan Servín.
A mediados de los setentas, los Cómicos le dan un giro a su estilo de presentaciones y montan la obra: "Malcolm, contra los Eunucos" siendo los protagonistas Aurelio Olvera y Paco Rabell, entre otros.
En 1975, Son nombrados Embajadores Culturales por el Presidente de México Luís Echeverría Álvarez, realizando una gira por Centro y Sudamérica con la obra "La paz ficticia" de Luisa Josefina Hernández y la Dirección de Alejandro Bichir.
En 1975, participan en la Primera Muestra Nacional de Teatro en la ciudad de León, Guanajuato, con la obra "Salvajes" de Christopher Hampton, con la Dirección del emblemático Julio Castillo (q.e.p.d).
En 1979, realizan su segunda gira europea, visitando varias ciudades de Europa, y prácticamente todas las provincias de España.
Tras estas presentaciones las anécdotas se sumaban y las experiencias enriquecían: ”Una vez, mientras estábamos en San Cristóbal de las Casas, después de una función y regresando al lugar donde nos hospedábamos, debido al presupuesto que era un poco reducido nos tocaba compartir habitación, a mi me toco entre otros con Hugo Gutiérrez Vega, Jorge Galván y Nacho Frías, Hugo después de la función leía poseía, y mientras apasionadamente recitaba un poema de García Lorca, Jorge empezó a cabecear, cuando de pronto al percatarse de esto Hugo voltea y le dice: ¡que diría Lorca si te viera cabeceando mientras leo su poesía!, y cuando volteaba a ver a los demás un sonoro ronquido de Nacho terminó por dar la razón a Jorge y bueno Hugo terminaba solo leyendo” comenta entre risas Juan Servín y continua: “La cuestión económica siempre ha separado a la gente y la gratuidad en nuestro grupo nos unió más, la gratuidad es lo que hace ver a quien le interesa el teatro, no hay nada mas importante en la vida que hacer algo por los demás que no le deje a uno una remuneración económica”.
• La legua como foro
En 1985, en Agosto, los Cómicos de la Legua obtuvieron una casa de la calle Madero, casi esquina con Ezequiel Montes, la estancia en este lugar fue breve, aunque era un lugar bonito, pues era incómodo para las obras por su espacio más bien reducido.
En febrero de 1986, se consiguió, ya con la nueva administración en Gobierno del Estado y en los Cómicos de la Legua y con una gran ayuda de la Universidad, un recinto que tuviera carácter de permanente, donde el grupo pudiera presentar sus obras y que ya no se estuviera mudando. Este lugar es el recinto que actualmente ocupa.
"Fuenteovejuna", obra con la que se inaugura el foro, tuvo una exitosa temporada dentro del Mesón de los Cómicos de la Legua.
• El teatro como guerrero de la poesía
“El teatro cuando se vuelve palabra, como es el caso de teatro clásico español, en lugar de acercarnos a la gente nos aleja, ahora la información es casi en su totalidad digerida y eso nos aleja de los jóvenes” comenta Alejandro Celia.
Al respecto de que es lo que ha mantenido a este grupo unido después de este medio siglo comentan: “una de las cosas más importantes es que a través de este tiempo hemos crecido como personas y como amigos, la amistad es el lazo más fuerte, la gente que se incorpore al grupo debe saber que la prioridad es conservar así el espacio, deben cuidar y tener en cuenta que este es un niño que ha crecido gracias a la entrega de muchas personas, tantas que no podríamos dejar de nombrarlas en otros 50 años”.
Muchas han sido también las barreras que este grupo se ha encontrado, tomando de estas la fuerza y el empuje para continuar con un incansable esfuerzo por llevar la universidad al pueblo, por hacer de este un sólido grupo que con el paso de los años a refirmado su condición de patrimonio y que se ha conservado como guerrero de la poesía.
Mediante planos que danzan entre la bastedad y lo minucioso se asoman tímidas las historias que se entrelazan y que suavemente se mezclan como tinta púrpura cayendo dentro de un vaso con agua, dicta la carencia y la marchita capacidad de ofrecer el corazón la monotonía al ejecutar los movimientos de cámara, ‘Whisky’, el filme de origen Uruguayo se presenta como la respuesta a un mundo de plagado de ausencias, de palabras que deslavadas son arrojadas como comida a un grupo de reos, en el ciclo de cine latinoamericano presentado en el cineteatro Rosalio Solano.
Una película coreográfica, de simetrías entre la imagen y el alma de sus protagonistas, prosa de la mecánica emocional, en este filme se retrata una historia hastiada de cotidianeidad de los personajes, Herman y Jacobo, dos hermanos separados no sólo por la distancia de sus lugares de residencia y de Marta, empleada en la fábrica de calcetines de este último.
Este director nos muestra un retrato en el que se responde al estímulo automático de decir: ‘Whisky’ antes del disparo del obturador, con el que se finge una sonrisa, un acto de comunicación sin emisor ni receptor, una ecuación sin incógnitas.
Ficha técnica: Año 2004 Nacionalidad Uruguay Género Comedia Duración 95 m. Dirección: Juan Pablo Rebella y Pablo Stoll Intérpretes: Andrés Pazos como: Jacobo Köller, Mirella Pascual como: Marta, Jorge Bolani como: Herman Köller, Ana Katz como: Graciela, Daniel Hendler como: Martín Guión: Juan Pablo Rebella, Pablo Stoll y Gonzalo Delgado Galiana Fotografía: Bárbara Álvarez Música: Pequeña Orquesta Reincidentes
Prostitutas, drogadictos, pervertidos sexuales, asesinos y hombres solitarios, entre otros personajes, deambulan en las historias que el novel autor dramático Hugo Abraham Wirth dibuja a través de la obra ‘La fe de los cerdos’, que fue estrenada en el Museo de la Ciudad.
’Wirth , primer lugar en el Premio Nacional de Dramaturgia: 'Manuel Herrera de Querétaro 2004,' ,conmovido por una nota periodística que reseñaba cómo una mujer dedicada al narcotráfico fue sorprendida con un niño muerto con la caja toráxica rellena de cocaína, reconstruye la historia a través de Fabián, un elevadorista, casado con Catalina, hermana de un par de narcotraficantes. La relación de Bernardo con su hermana Catalina pasa de ser una relación de cariño y hermandad a una relación de tipo sexual, donde impera la atracción, suscitando la polémica acerca de los límites de los valores morales, sociales, y éticos para el espectador. Catalina y Bernardo culminan ese placer con el nacimiento de un hijo, lo que acrecienta el odio y resentimiento en el que ha vivido Fabián y que trae nefastas consecuencias.
El grupo VerdeOscuro, dirigido por Iván Flores, recrea los ambientes sobrecogedores donde se desarrolla la trama imaginada por Wirth para narrar acontecimientos delictivos en una gran ciudad.
El reparto de esta puesta escénica está conformado por Isaac Pájaro, Daniela Pérez, Sánchez, Cristo Rubio, Fabián López, Abigail Contreras, Roberto Ramírez y Ernesto Galán, dirigidos por Iván Flores. Música original: Roberto Ramírez
La estética, traducida en técnica, en imagen y en plasticidad impregnará la búsqueda de los artistas a lo largo de su trabajo que busquen redefinirse y reinventar el mundo, Carlos Bustos se propone resolver esta exigencia en los ámbitos más íntimos, en la exposición ‘Retratos de familia’, en el Museo de la Ciudad.
‘Retratos familiares’ es una mirada a la reinvención y reinterpretación de cada individuo retratado, de manera tanto formal como plásticamente.
Esta representación visual en los retratos no es crear una imagen ’real’, sino reposar la observación en una cuestión plástica que va a desembocar en la de-construcción de formas aisladas combinadas con las manchas de colores, con lo que se reafirma la expresión plástica.
Alumno del octavo semestre de la licenciatura en Artes Visuales, en la Universidad Autónoma de Querétaro, Carlos Bustos, nos presenta este trabajo en el que además de exponer su visión, busca que los asistentes logren involucrarse a través, no sólo de la obra, sino que los invita a involucrarse formando parte activa de la misma, pues a través de un largo lienzo colocado en un pasillo fuera de la sala en la que exhibió su obra, recolectó las imágenes, pensamientos e ideas de los asistentes que ilustraron. La exposición ‘Retratos de familia’ estará exhibiéndose a partir del 8 de agosto, a las 20:00 horas, en el ex convento de Capuchinas, con el apoyo del Instituto Queretano de la Cultura y las Artes.
Las series temáticas, a veces instrospectivas, sugerentes, y en ocasiones sociales, merodeadas por el estilo característico de una plataforma creativa, da como resultado identidad. Muestra de ello es la exposición ‘Migrantes’, de la artista mexicana Marisa Boullosa, que será mostrada a partir del viernes 8 de agosto, en el Museo de la Ciudad.
La serie ‘Migrantes’ se gesta desde 2003 creciendo y consolidándose conforme la propuesta artística que es y refinando las diversas técnicas que usa, como el aguafuerte, litografía, serigrafía, litopapel, fotografía, cause a través del que la autora desahoga su flujo creativo.
‘Migrantes’ aborda la situación de emigrantes mexicanos hacia los Estados Unidos. El esfuerzo titánico por conseguir dinero y todos los documentos indispensables para el viaje, a veces seguro, la mayor parte de las veces arriesgado, y en muchas ocasiones, mortal. La inquietud de la familia por la salud del viajero; la emoción de quienes al arribar a su destino se dejan atrapar por el ‘sueño americano’.
La exposiciónconsta de veintidós obras gráficas y una instalación; esta muestra ha sido presentada en Puerto Rico, Chiapas, el Distrito Federal, y ahora en Querétaro.
Entre los pliegues del telón del Cineteatro Rosalio Solano, se abre paso una figura que avanza entre indicaciones, gestos y ademanes: “Necesito desnudo el escenario”, dice a un tramoyista mientras se acerca paulatinamente al borde del teatro. La historia comienza cuando de entre jóvenes de 18 y 23 años, Javier, logra obtener la beca del fideicomiso Salvador Novo por tercer año consecutivo y con esta decide emprender un proyecto que lo impulsaría a iniciar un periodo de estudio, de aprendizaje y de conocimiento, que duraría un año. A lo largo de este año se sumaban teorías, aportaciones hechas por maestros, quienes dieron forma al proyecto que imprimiría fielmente sus huellas en la vida personal y en el trabajo del ahora director, actor y dramaturgo. Esta obra ha pisado numerosos escenarios en nuestra ciudad, desde el Salón de Congresos del Tec de Monterrey, la Facultad de Psicología y Filosofía de la Universidad Autónoma de Querétaro, El Patio Barroco y muchos escenarios ubicados en la Unión Americana, como Des Moines, Iowa; Detroit, Michigan, ambos en 1990. Obteniendo dos premios mundiales por dirección y actuación, ante 15 países participantes. AACT-FEST International Where all the world´s a stage, entre otros.
Inspirada en el texto del escritor Gilberto Pinto, Caracas 1930, fue estrenada en marzo 4 de 1983 en el Teatro Principal de la Universidad de Guanajuato. A partir de entonces, la obra empezó a viajar por muestras, congresos, coloquios, festivales, encuentros nacionales e internacionales. Desde su origen a la fecha, la obra lleva cinco versiones, 199 funciones, 29, 869 espectadores, aproximadamente, 69 escenarios distintos; doce estados de la República Mexicana; tres Estados de La Unión Americana, cinco Festivales Internacionales y cinco Nacionales. En la tercera y cuarta versión, 2000, se agregaron textos de Gabriel Zaid, Samuel Beckett y Fernando Pessoa, y ahora se incorpora el destacado compositor Ernesto Martínez, quien participa interpretando música electrónica de su propia creación.
¿Cómo es que a 25 años sigue fluyendo vida nueva a través del texto, y cuál es la fórmula para que a un cuarto de siglo siga esta obra vigente, atrayendo y reafirmando público?
La aspiración a lo universal, lo más difícil del arte y del teatro es intentar tocar lo sublime, no se puede pasar toda la vida sin lograrlo, hay muchos impostores, una raza de impunes que abundan, si logro tener 25 segundos de belleza quizá haya logrado algo, mi aspiración es esa, y tengo el orgullo de gente que la ha visto una , dos, tres o cuatro veces y que la quieren volver a ver. Además que la obra siempre está evolucionando, trabajo de la manera más honda para justamente poder toca lo más hondo y así no habrá fraude en el escenario. La gente que paga un boleto para venir al teatro es para ver algo que nuca antes haya visto, algo que lo conmueva, que lo conmocione, que lo sacuda y que pueda salir siendo otro del teatro, si uno no logra eso, pues algo anda muy mal, y ese es mi trabajo, para eso uno ensaya y trabaja. En esto del teatro jamás se llega a una satisfacción total, siempre hay que mejorar, te pueden pagar la obra en pesos, después en dólares, ¡bravo!, pero eso no te detiene, ¡que te la paguen en euros!, es una inconformidad constante con un trabajo constante, trabajar para poder hacer soñar al público con los ojos abiertos.
Dentro del amplio espectro de emociones que se generan en el espectador a través de un discurso ¿Cuales son las emociones principales que impregnan esta obra, cuál es la emoción o el cuestionamiento principal que interesa al creador aromatice a los asistentes?
Cada mirada, cada espíritu y cada público tiene sensaciones muy distintas, si es tocado por la escena de la guerra, qué bien, o la del adulterio o la de la rata gigante que destruye a quien se aparece está bien, a mí me encantaría que fuera tocado de principio a fin, uno trabaja para que el público no se aburra, cuando el demonio de la aburrición ataca la vida y al teatro eso es más que una tragedia, hay muchos temas y muchos conflictos en esta obra, éste es un personaje ultramoderno que alucina orinar al mundo desde los anillos de saturno, es una farsa trágica.
Esta puesta en escena se ha ubicado en distintos escenarios a lo largo de estos 25 años, una gran cantidad de público proveniente de distintas esferas sociales y de muchas edades la ha presenciado, ¿qué la hace tener este carácter plural?
Toca temas universales como el adulterio, la religión, los conflictos de la guerra, la muerte, la filosofía, la soledad, Dios, el crimen. Humor que estimula imaginación. El conflicto de este personaje es que está enloquecido por el ruido, estamos en una época en que el ruido manda, ya no hay tiempo para el silencio, este personaje desea soñar con los ojos abiertos, pero al mismo tiempo se da cuenta de que la realidad es inconmensurablemente cruel y brutal como hermosa. Éste es un personaje que piensa con la imaginación e imagina con el pensamiento, es el arquetipo del hombre que sabe que la realidad es un manicomio y que sin embargo hay que reír y encontrar una luz.
El tiempo es la sustancia etérea que transporta al hombre entre sussueños y sus necesidades, es concepto subjetivo que transforma caprichosamente lo que toca, a sabiendas de esto, el reconocido oriundo de la capital del país: José Luis Cuevas, ha convocado a varios artistas de distintas generaciones y lenguajes plásticos a realizar una obra que evoque al tiempo desde su propia perspectiva. Es así como, con el apoyo de la conocida marca de relojes Nivada: ‘la Sala del Tiempo’ nos invita a reflexionar en la Galería Municipal.
Este proyecto creado gracias a la iniciativa de Andrés Holzer, director del Grupo Nivada, es traído a nuestro estado después de curbrir las paredes del museo José Luis Cuevas en el Distrito Federal, con el fin de enmarcar los festejos por el aniversario número 447 de la fundación de Querétaro y el sexto aniversario de la Galería Municipal Rosario Sánchez de Lozada.
El título de la obra de Cuevas: ‘Tiempo volar’, trae bajo el brazo una curiosa anécdota, el autor recuerda que trabajaba en el taller de un artista de Bangladesh radicado en Madrid con el propósito de realizar una serie de grabados de gran formato. Mientras el grabador, escultor e ilustrador mexicano buscaba inspiración observando por la ventana, el artista quien le ofrecía el alojamiento irrumpió: “tiempo volar”, con el fin de que pusiera manos a la obra de inmediato y fue así como encontró la inspiración que buscaba a través del cristal que lo separaba de la calle, pues decidió titular de esta forma al primero de aquella serie de grabados y, ahora, la obra que incluye en esta muestra.
Entre algunos de los artistas que participan se encuentran los queretanos Alberto Solís,Alejandra Bilbao, Ernesto Zavala y Pruneda Huidobro que comparten las paredes de la galería con Carmen Cuevas, Manuel Felguérez, Vladimir Cora, Roger von Gunten, Pedro Friedeberg, Leonora Carrington, Pablo Weisz-Carrington y Esperanza Bolland, entre otros.
Ella nació en el Distrito Federal un puñado de años atrás. Él fue naturalizado mexicano después de haber visto la luz primera en Colonia Alemania en 1911. Ella se muestra inquieta ante las formas y curiosa ante las historias, él reflejó a través de su lente a los artistas que marcaron una época. Ella vistió las paredes del Museo de Arte con fotografías, resultado de un recorrido por el calor y la vida desenfadada de La Habana con ‘Bacú’, él se nos muestra gracias al esfuerzo conjunto de autoridades de la UNAM. La maravillosa experiencia de conjugar la mirada de un fotoperiodista cultural de los años 50 con la fresca y sutil mirada de una joven, tienen cabida en el Museo de Arte que sirvió de marco para la inauguración simultánea de dos exposiciones: ‘Instantes luminosos’, del fotógrafo Juan Guzmán, y ‘Bacú’, de la fotógrafa Paola Méndez.
La isla de Bacú
Paola Méndez presenta a través de 21 fotografías un recorrido, que a lo largo de tres días, sirvió para recoger la espontaneidad y la alegría que la isla de Cuba anida en cada recoveco. Veintiún oportunidades para que los asistentes naveguen a lo largo de los litorales que enmarcan la isla y de igual forma recorran las cálidas y coloridas calles que evocan un ayer que decidió darle la espalda a la nostalgia. “La exposición es un suma de experiencias donde cada uno de los asistentes puede argumentar y definir la historia detrás de las miradas”, comenta la fotógrafa y continúa: “Cuando inicié el viaje fue con la impresión que ver un país en el que la gente tiene las bolsas llenas de carencias, al llegar allá y tomar mis fotografías me di cuenta de que ellos no son los pobres, a pesar de todas las cosas que no tienen son amistosos y felices, pues la felicidad y el estado de ánimo son una condición que uno decide, pobre de uno que lo tiene todo y no logra esa misma sencillez y felicidad”.
Al termino de este viaje de tres días por Cuba, la fotógrafa impregnó su trabajo de una realidad avasallante, y que desea acompañe a la gente que se interne en las piezas: “Sueñen y hagan lo que desean hacer”.
En esta exposición se dieron cita importantes personalidades de la vida política, entre las que se encontraron el Gobernador del Estado de Querétaro, Francisco Garrido, quien agradeció a Paola el haber prestado su obra para presentarla en el magnífico Museo de Arte, para posteriormente junto a la secretaria de Educación Pública, Guadalupe Murguía, el director del Instituto Queretano para la Cultura y las Artes, Manuel Naredo y la Secretaria de Turismo, Esther Carboney, realizar un recorrido por las dos exposiciones.
Luminosas miradas
El Instituto de Investigaciones Estéticas de la Universidad Nacional Autónoma de México, a través del Instituto Queretano para la Cultura y las Artes, presentó la muestra fotográfica ‘Instantes luminosos’, de Juan Guzmán.De acuerdo con información del Instituto Queretano de la Cultura y las Artes, Hans Gutmann nació en Colonia, Alemania, en 1911, y con la extensión del nazismo abandonó su país a principios de la década de los 30, instalándose en España, donde vivió la Guerra Civil (1936-39).En 1940 el artista llegó a México, donde castellanizó su nombre: Juan Guzmán, y años después adquirió la nacionalidad mexicana.En esas imágenes, el autor capta con gran nitidez los rasgos y atributos particulares de los personajes, y constituyen un registro documental de las personalidades de la cultura del momento.La presencia de Juan Guzmán se inscribe dentro del fotoperiodismo cultural de los años 50 en México, determinado en muchas ocasiones por la novedad, la comunicación directa y la lectura rápida de la imagen, que nos ofrece de los rostros de quienes construyeron en armonía con sus manos y su corazón la versatilidad y riqueza de la cultura en México.
Se sugiere una funesta historia en los movimientos de un hombre que yace en el fondo de una tina y que paulatinamente se incorpora hasta quedar en cunclillas para posteriormente pegar fotografías a su cuerpo, ésta es la secuencia inicial de un espectáculo que por aproximadamente una hora expone el camino de una persona que arrebata su presencia del mundo, ‘Respiro’ , coreografía contemporánea interpretada, dirigida y escrita por Juan José López, inauguró el IV Festival Internacional de Danza Querétaro 2008, en el Cineteatro Rosalío Solano.
‘Respiro’, privilegiado momento que conecta al hombre con sus deseos, sentimientos y necesidades, en esta historia presentada en reversa, se nos muestra la vida de un hombre que decide cegar su vida resultado del vertiginoso ritmo de la modernidad, dinamica latente, vigorosa e inhospita que no le permite hacer una introspección acerca del camino sembrado en el transcurso de sus pasos en la tierra, y sin tener claro en qué momento su camino se tornó hacia las sombras.
“El propósito de esta historia es que la gente se identifique y vea el camino que nos ha llevado a estar donde ahora nos encontramos y que hagan la introspección para que vean si están donde realmente quieren estar, además de mostrar que somos producto de nuestras decisiones”, comenta María Luisa Fernández, directora artística.
Como una invitación a navegar por los mares personales que conforman nuestro propio viaje fue presentada ‘La mirada de Ulises’, espectáculo multidisciplinario inspirado en ‘La Odisea’, de Homero, que integra danza contemporánea, música electroacústica y video, en el Museo de la Ciudad. Creación de la coreógrafa Zugazagoitia, quien se encuentra celebrando sus 25 años de intérprete y quien recibió en 2007 la beca del Programa de Fomento a Proyectos y Conversiones Culturales del FONCA, contó con el auspicio del Instituto Queretano de la Cultura y las Artes.
‘La mirada de Ulises’ es una reflexión acerca de lo que hacemos de nuestra vida en este momento en que, lejos de comunicarnos y acercarnos más, nos aleja del mundo, de la realidad, de nuestra condición de seres humanos. Pero hay una esperanza: al final del viaje Ulises sigue vivo. El destino ha medido su entereza; las tentaciones han curvado su voluntad. Pero termina íntegro y de pie. Además de Tatiana Zugazagoitia, en la obra participan los bailarines Fátima Núñez, Ana Clara Flores, Uri Campos Ruiz y Nicolás Flores. La partitura creada por Sebastián Castagna conforma los variados mundos sonoros del espectáculo, los videos de apoyo fueron realizados por Jorge Carlos Cortázar.
Una noche de matices, de texturas y de ideas como resultado de una clara y profunda introspección recorren y exploran la diversidad y la complejidad de la otredad, una noche en la que el Museo de Arte inaugura simultáneamente dos exposiciones: ‘Universos de alteridad’, del reconocido queretano Rubén Maya, y ‘Sol de luna’, de Roberto Ortega, donde los autores nos presentan un sendero de caminos que se gestan bajo la luz de la curiosidad y que se bifurcan al encontrar su voz propia e individual.
Los Universos de Rubén Maya
Después de haber realizado una gran cantidad de instalaciones y de objetos de arte en los que intervenían técnicas multidisciplinarías, como performance e instalación, Rubén Maya decide darle voz a la mano, a su instrumento primordial, decide regresar el poder de la creación al trazo libre y a la reacción espontánea de los trazos guiados por el contacto directo con el objeto.
La intención primordial del queretano es que los asistentes se descubran en los enigmáticos rostros que se presentan a lo largo de su trabajo.
Existe un aspecto simbólico en cada una de las piezas de esta exposición, rostros y objetos se diluyen en los fondos de los retratos, creando incógnitas que sugieren en la observación su respuesta.
Esta es la premisa primordial, la observación directa y clara ante un espejo formado por sus placas, es ahí donde Rubén encuentra la relación consigo mismo y con el otro.
“Mediante este trabajo se liberan mis cuestionamientos y mis interrogantes, doy pie a que las situaciones que me provocan curiosidad tengan voz y encuentren una respuesta”, comenta Rubén.
Las Fragmentaciones Temporales
A través de cuarenta y siete piezas, Roberto Ortega nos presenta un trabajo retrospectivo, un trabajo que ha venido gestándose a lo largo de todos sus años de inquietudes y de descubri
miento bajo la luz de la plástica.
Un viaje nos presenta el autor donde propone un mundo de fragmentación temporal, un universo compuesto por destajos arrancados ferozmente del manto del tiempo, de una realidad
construida por diversos enfoques en el que el ‘otro’ se involucra de manera activa y dinámica.
“Esta exposición es un lenguaje que nos toca en la parte más secreta”, comenta el autor, pues expone al hombre creando su propio universo de una forma a veces onírica y a veces aproximativa.
“El tiempo no es secuencial, el tiempo ocurre en un mismo instante, nosotros lo hacemos secuencial para comprenderlo”, es la premisa básica en este trabajo presentado por Roberto, quien ha logrado reunir las piezas que integran diversos periodos de trabajo y de desarrollo creativo.
Una serie que a retrospectiva desea ser habitada por las miradas curiosas, por el pensamiento que valiente se interne en la soledad que merodea y perfuma estos óleos y por el explícito apetito de redefinirse en un universo fragmentado y alterno.
Un programa que incluía temas que en su alma alojan temperamento, solemnidad y soberbios desplantes virtuosos, aunados a piezas que reflejan la fiesta y la alegría dentro de las arraigadas tradiciones populares dentro de la óptica europea; fue presentado en el teatro de la República por el trío eslovaco Cassovia con el patrocinio del Instituto Queretano para la Cultura y las Artes.
